Una Breve Storia di Musica Rock

Gli inizi

Chuck Berry ha inventato il rock and roll nel 1955. Berry era un uomo di colore che suona musica nera. Ma i tempi erano cambiati: i bambini bianchi ascoltavano ritmi e blues in tutto il Nordest, mentre i musicisti bianchi suonavano il ritmo e il blues fianco a fianco con la musica country. L’industria musicale presto capì che c’era un mercato bianco per la musica nera e il pregiudizio sociale, le barriere razziali, non poteva nulla contro le forze del capitalismo. Il rock and roll è stato un successo durante la notte.
L’industria musicale promuoveva idoli bianchi come Elvis Presley, ma i veri eroi erano personaggi come Chuck Berry, che meglio simboleggiavano la sinergia tra il performer e il pubblico. I rocker neri e alcuni rocker bianchi incarnavano lo spirito ribelle della gioventù, il loro bisogno di una colonna sonora per i loro sogni di anticonformismo. Il loro impatto fu duraturo, ma le loro carriere furono di breve durata. Per un motivo o per l’altro, tutti hanno smesso di registrare dopo un breve periodo di tempo. Il rock and roll è stato ereditato da cantanti bianchi, come Presley, che spesso eseguiva canzoni composte da oscuri musicisti neri. I rocker bianchi sono diventati più gentili e delicati, annegando così il motivo del rock and roll di esistere. Buddy Holly fu il più importante rocker bianco degli anni ’50, mentre l’impollinazione incrociata con la musica country portò alle armonie vocali degli Everly Brothers e al rock strumentale di Duan Eddy.
Il malessere dei ragazzi è tornato, con un’onda molto più alta, quando gli studenti hanno cominciato a cantare dei problemi del sistema. I bambini che non si erano identificati con le storie di poveri di Woody Guthrie, si sono immediatamente identificati con i cantanti folk che cantavano della guerra del Vietnam e dei diritti civili. Bob Dylan era probabilmente il musicista più influente dell’epoca. Ha guidato l’accusa contro l’Establishment con canzoni semplici e testi poetici. Una generazione ha creduto in lui e ha seguito i suoi sogni. La musica è diventata l’espressione delle ambizioni della gioventù.
Allo stesso tempo, la storia della musica rock commerciale ha preso una piega bizzarra quando ha colpito la costa della California: The Beach Boys hanno inventato la musica da surf. La musica da surf era solo musica rock and roll, ma con uno spin: armonie vocali molto sofisticate. La California ha le sue idee su cosa debba essere il rock and roll: una musica per divertirsi alle spiagge e alle feste. Le armonie vocali dei Beach Boys, un ponte naturale tra rocker e doo-wop, si sono rivelate un fantastico veicolo di consegna per l’aspetto melodico del rock and roll, che i musicisti neri solitamente affondavano nelle loro enfatiche urla.

Gli anni Sessanta

I tempi erano maturi per il cambiamento, ma era ancora necessario un catalizzatore.
“Mersey-beat” ha cambiato per sempre la storia della musica rock.
Mersey-beat è venuto fuori dal nulla, ma è arrivato con il potere della storia. La Gran Bretagna aveva avuto una pessima scena musicale nei primi anni Sessanta. Principalmente, i rocker britannici imitavano Presley. Il mainstream britannico non si identificava con il rock and roll, non era divertito dai loro atteggiamenti “ribelli”, non godeva del ritmo frenetico. In larga misura, però, i semi erano già stati piantati. La Gran Bretagna ebbe una clandestinità prima dell’ America: i club del blues. Durante gli anni Cinquanta, i club di blues fiorirono in tutta l’Inghilterra. Londra era l’epicentro, ma ogni grande città inglese aveva le sue dosi di blues settimanale. A differenza delle loro controparti rock, che erano semplici imitatori, i musicisti blues britannici erano veri innovatori: nelle loro mani, il blues divenne qualcos’altro. Sottoponevano il blues a una metamorfosi che lo trasformava in una musica “bianca”: enfatizzavano i ritornelli epici del richiamo e della risposta, velocizzavano le chitarre ritmiche di Chicago, smussavano la voce per renderla più operistica, flettevano cori, migliorato l’arrangiamento degli organi, aggiunta armonia vocale. In pochi anni, i musicisti blues britannici suonavano qualcosa che era profondamente sentito come il blues americano, ma aveva un potere di guida che nessun’altra musica sulla Terra aveva.
Nei primi anni Sessanta i veterani di quella scena, o discepoli di quella scena, portarono alla formazione di gruppi come i Rolling Stones, The Yardbirds e The Animals. The Rolling Stones sono diventati “la” sensazione di Londra e hanno continuato a registrare i singoli di maggior successo dell’epoca. The Yardbirds erano il più sperimentale di tutti loro, e sono diventati il ​​terreno di allenamento per tre dei più grandi chitarristi di sempre: Eric Clapton, Jeff Beck e Jimi Page. Dalle loro ceneri nascono due gruppi blues, i Cream e i Led Zeppelin, che in pochi anni rivoluzioneranno ancora la musica rock.
Il Liverpool non aveva una grande scena underground, ma aveva un marchio più commerciale di rock band. Il produttore George Martin è stato determinante nel creare l’intero fenomeno, con Gerry and the Pacemakers e The Beatles, la band che ha raggiunto il successo in tutto il mondo. I volti sorridenti dei bambini di Liverpool erano in netto contrasto con gli animali arrabbiati di blues del club underground. Ma i due si completarono a vicenda. “Beatlemania” ha rubato lo slancio dalla scena blues e ha capito come trasformare quella musica in attrazione per i mass media. La musica rock è diventata un’importante attività.
Le band più influenti della seconda generazione furono The Kinks e The Who. Entrambi hanno continuato a registrare album concettuali e “opere rock” che hanno parafrasato l’operetta britannica al suono della musica rock.
Mentre The Kinks erano ancora i fautori del rock melodico, le chitarre maniacalmente amplificate degli Who puntavano già verso un futuro più rumoroso e meno delicato.
The Rolling Stones, The Kinks e The Who rappresentano la triade delle rock band britanniche della metà degli anni ’60 che influenzerebbero intere generazioni di gruppi rock per decenni. The Who stavano componendo canzoni autobiografiche della gioventù urbana arrabbiata e frustrata. The Rolling Stones stavano componendo canzoni autobiografiche dei punk decadenti della classe operaia. The Kinks stavano componendo vignette realistiche della vita ordinaria nell’Inghilterra borghese. I tre insieme forniscono un’immagine completa del tempo.
Cream e Led Zeppelin hanno alzato la posta quando hanno iniziato a suonare un blues molto forte. I lunghi assoli di Cream ei veloci riff di Led Zeppelin hanno creato l’epitome di “hard rock”.
L’impatto dell’elettricità britannica sulla scena americana equivaleva a un terremoto. I bambini hanno abbracciato le chitarre elettriche in ogni garage degli Stati Uniti e hanno iniziato a suonare la musica blues con una vendetta.
Sulla costa orientale fu di nuovo Dylan a guidare l’accusa. Le sue prime esibizioni elettriche sono state accolte con disappunto dai suoi fan, ma presto “folk-rock” ha avuto un boom con i successi dei Byrds e Simon and Garfunkel.
Il movimento psichedelico che stava crescendo in tutto il paese si è in qualche modo fuso con l’ondata di rocker elettrici e il movimento di protesta. Divennero uno sia a New York che a San Francisco. The Velvet Underground e The Fugs hanno trasformato il rock and roll in un’operazione intellettuale.
Sulla costa occidentale, sia San Francisco che Los Angeles hanno reagito al boom del rock and roll in modi tipicamente eccentrici. San Francisco, che stava diventando la mecca degli hippy, generò “acid-rock”, e Los Angeles, il cui ambiente aveva prodotto innumerevoli disadattati letterari e cinematografici, generò Frank Zappa e Captain Beefheart, due dei più influenti musicisti del secolo. Zappa e Beefheart hanno registrato alcuni dei dischi più sperimentali di sempre e hanno trasformato il rock and roll in un’arte seria e importante. Le band di San Francisco, guidate da Jefferson Airplane e Grateful Dead, appoggiarono l’armonia complessa e le jam improvvisate, spostando così la musica rock verso gli eccessi intellettuali della musica jazz. Blue Cheer e Quicksilver hanno gettato le basi per l’hard-rock.
Il rock psichedelico si stava diffondendo in tutto il paese e si riversava in Gran Bretagna. Ben presto l’America produsse The Doors e l’Inghilterra produsse i Pink Floyd, due band la cui influenza sarà enorme.
La psichedelia texana passò inosservata, ma band come Red Crayola erano molto più avanti del loro tempo. Anche Detroit è stata lasciata fuori dal circuito principale, tuttavia l’MC5 e gli Stooges hanno contribuito a spostare la musica rock di un gradino nella scala del rumore.
Il boom della musica rock negli Stati Uniti ha contribuito a far risorgere il blues.

Jimi Hendrix e Janis Joplin sono diventati protagonisti, mentre innumerevoli musicisti blues bianchi hanno invaso i club di Chicago e San Francisco. The Band, Creedence Clearwater Revival e Doobie Brothers hanno raggiunto nuove vette nella rivisitazione della tradizionale musica bianca e nera. Nel sud questo movimento di rinascita porterà al boom del “rock meridionale” e ad artisti del calibro di Allman Brothers e Lynyrd Skynyrd.
La musica country era ancora un monopolio di Nashville, ma molti artisti la fondevano con la meditazione orientale, l’improvvisazione jazz e la libertà del rock. Sandy Bull, Robbie Basho e John Fahey stavano suonando lunghi brani strumentali che si classificano facilmente con i pezzi più ambiziosi dell’avanguardia.
Nel frattempo, la musica nera stava attraversando una sua metamorfosi. La musica soul si trasformò in una forma di musica da party con atti di Tamla Motown come i Supremes, e il rhythm and blues mutò in un genere febbrile chiamato “funk” per artisti osceni come James Brown.
In Gran Bretagna, la musica rock ha assunto un tocco più europeo con il movimento clandestino nato da club psichedelici. Canterbury divenne il centro della scuola più sperimentale di musica rock. The Soft Machine era la band più importante del periodo, e conferiva alla musica rock un sapore jazz che avrebbe ispirato “progressive-rock”. Tra i musicisti eccentrici e creativi cresciuti nella The Soft Machine c’erano Robert Wyatt, David Aellen e Kevin Ayers. La loro eredità può essere vista nelle successive band di Canterbury come Henry Cow, non meno creativa e improvvisata.
Il rock progressivo ha portato via l’energia del rock e l’ha sostituita con un cervello. Traffic, Jethro Tull, Family e in seguito Roxy Music svilupparono un marchio di soul-rock che aveva poco in comune con l’anima o il rock and roll: lunghe e contorte conversazioni, accenti jazz e arrangiamenti barocchi deragliarono il formato della canzone. King Crimson, Colosseum, Van Der Graaf Generator, Early Genesis, Yes e ha iniziato a suonare pezzi sempre più complessi, teatrali ed ermetici. Le disposizioni diventano sempre più complesse, gli insturmentalisti diventano sempre più abili. Gli strumenti elettronici sono stati impiegati frequentemente. Bonzo Dog Doo Dah Band, Third Ear Band e Hawkwind hanno creato generi che all’epoca non avevano nome (cabaret decadente, world-music e hard rock psichedelico).
Il paradigma si diffuse presto nell’Europa continentale, che diede i suoi primi grandi spettacoli rock: Magma, Art Zoyd, Univers Zero.
Persino i seguaci della Gran Bretagna somigliavano più agli intellettuali francesi che ai cantastorie antiquati. Il revival folk degli anni Sessanta fu principalmente la creazione di una manciata di tre collettivi: The Pentangle, The Fairport Convention e l’Incredible String Band. Ma attorno a loro cantautori come Donovan, Cat Stevens, Nick Drake, John Martyn, Syd Barrett e Van Morrison hanno stabilito nuovi standard per l’espressione musicale di temi intimi.
Gli anni ’60 erano l’era “classica” della musica rock. I sottogeneri principali sono stati definiti negli anni ’60. Il paradigma della musica rock come “alternativa” alla musica pop commerciale è stato istituito negli anni ’60. La sperimentazione selvaggia consentì ai musicisti rock di esplorare una gamma di stili musicali che pochi musicisti avevano tentato prima del 1966. Captain Beefheart e Velvet Underground hanno anche creato un diverso tipo di musica rock all’interno della musica rock, un paradigma diverso all’interno del nuovo paradigma, uno che influenzare i musicisti alternativi per decenni. Più che giganti musicali come Bob Dylan e Jimi Hendrix, umili musicisti come Captain Beefheart, Velvet Underground e Red Crayola potrebbero essere i veri eroi degli anni ’60.

Gli anni settanta

La morte di Jim Morrison dei The Doors, di Janis Joplin, di Jimi Hendrix e di innumerevoli altri, ha raffreddato il fenomeno. Dopo gli eccessi della metà degli anni ’60, un modo più pacifico per il nirvana rock era già stato proposto da Bob Dylan e altri quando riscoprirono la musica country. E “country-rock” divenne una delle mode degli anni ’70, dando vita a band di successo come gli Eagles. Il reggae è diventato un genere mainstream grazie a Bob Marley. Il funk divenne ancora più assurdo e sperimentale con le band di George Clinton. L’hard rock generò l’heavy metal, che divenne presto un genere a sé stante (Blue Oyster Cult, Kiss, Aerosmith, AC / DC, Rush, Journey, Van Halen). Gli anni Settanta erano per lo più un’età tranquilla, priva della bacchetta nevrastenica degli anni Sessanta.
All’inizio del decennio, il principale fenomeno musicale è stato l’emergere di una nuova generazione di cantautori cantanti che sono stati la conseguenza diretta delle ambizioni intellettuali della generazione precedente. Leonard Cohen, Tim Buckley, Nico, Lou Reed, Todd Rundgren, Joni Mitchell, Neil Young, Tom Waits e il più famoso di tutti, Bruce Springsteen, hanno creato un personaggio musicale che unisce il compositore classico e il musicista.
In Gran Bretagna, i primi anni Settanta vedevano la proliferazione dell’hard rock e del progressive-rock e la loro ramificazione in diversi sotto-generi. I musicisti britannici hanno dato al rock and roll una qualità “intellettuale” che ne ha fatto il pari culturale del cinema e della letteratura europea. Il rock britannico fu trascinato giù dalla stessa stagnazione che affliggeva il rock americano. Lo slancio per l’innovazione fu rapidamente perso e i nuovi generi creati dai musicisti britannici languirono o mutarono in fenomeni commerciali.

La decadenza musicale ha portato alla decadenza rock, personificata dai dandy David Bowie e Marc Bolan. Resti eccentrici di progressive-rock come Robert Fripp e Peter Gabriel hanno dato vita a carriere avanguardistiche che avrebbero portato ad un ampliamento della nozione di musica rock. Nuovi musicisti come Kate Bush e Mike Oldfield hanno contribuito a liberare la musica rock dalla classificazione dei generi e hanno aperto la strada a una musica più astratta. Ma il singolo musicista più influente è stato Brian Eno, che per primo ha guidato Roxy Music per innovare il progressive-rock e poi ha inventato la musica ambient.
In gran parte trascurato all’epoca, il rock tedesco era probabilmente vent’anni avanti rispetto al rock britannico. Kraftwerk, Amon Duul, Tangerine Dream, Klaus Schulze, Faust, Neu possono realizzare alcuni degli album più importanti dell’epoca e dell’intera storia della musica rock. Hanno gettato le basi per la musica elettronica popolare, per il rock strumentale moderno, anche per la musica new age e per la musica da discoteca.
La metà degli anni Settanta era in gran parte un decennio di consolidamento, piuttosto che di innovazione, ma scoppiò due fenomeni che avrebbero avuto un forte impatto: disco-music e punk-rock. La musica da discoteca è stato il primo genere ad utilizzare strumenti elettronici per la musica commerciale su larga scala. Il ritmo della musica da ballo non sarebbe mai più lo stesso. Gli arrangiamenti orchestrali divennero normali come un assolo di chitarra. Il punk-rock ha avuto un impatto ancora maggiore, perché è arrivato con l’emancipazione dell’industria discografica dai “maggiori”. Migliaia di case discografiche indipendenti promossero artisti underground e ben presto la scena musicale fu drammaticamente divisa tra il rock mainstream (discendente di Presley e Beatles) e il rock alternativo (discendente di Zappa e Grateful Dead). Il punk-rock di per sé era musica rock and roll veloce e rumorosa, ma divenne presto un moniker per tutta la musica arrabbiata del tempo.
Dalle ceneri di atti decadenti come i New York Dolls, i Ramones hanno reso il punk rock più di un suono, lo hanno reso una religione.
I punk di New York erano intellettuali come i folksinger di vent’anni prima. Patti Smith, Television, Suicide and Feelies sono stati gli atti principali della “nuova ondata”. La nuova ondata è stata davvero una nuova ondata di creatività che risale alla metà degli anni Sessanta, quando le band erano in competizione per innovare.
I Sex Pistols hanno condotto la prolifica scuola britannica del punk-rock, un tipo di musica ribelle più socialmente e politicamente consapevole. I punk non erano necessariamente arrabbiati, anarchici e suicidi: i Clash and the Fall erano punk con un cervello.
Pere Ubu e Devo in Ohio e Residents e Chrome a San Francisco hanno aperto la strada a centinaia di band che Zoogz Rift ha superato il formato della canzone e offerto musica bizzarra e rivoluzionaria come quella di Zappa e Beefheart.
Tom Petty, in California, è stato uno dei pochi musicisti di quella generazione a non essere stato toccato dalla frenesia sperimentale.
The Fleshtones and the Cramps and the Cars guidarono le miriadi di band riscoperte dagli anni Cinquanta e Sessanta, sulla scia del movimento dei “graffiti americani”.
In Gran Bretagna una generazione che ha lavorato duramente nella scena dei pub ha avuto la possibilità di emergere a livello nazionale e internazionale. Elvis Costello, la polizia, i Dire Straits sono stati i musicisti più importanti a uscire da quell’ambiente.
Blondie, Talking Heads e James Chance, e più tardi Madonna, hanno preso l’idea nelle discoteche di New York.
Il numero di geni solitari cresceva in modo esponenziale e contava uomini del Rinascimento come Bill Laswell da Boston e complici compositori industriali come Fetus a New York (attraverso l’Australia).
Il rock and roll è nato di nuovo. Proprio come nella metà degli anni ’60, ogni anno producevano decine di musicisti brillanti che stavano riscrivendo il canone della musica rock. In Gran Bretagna è nata la musica industriale, inventata da Throbbing Gristle come ibrido di avanguardia e musica rock, e poi dark-punk, i cui principali proponenti erano Joy Division, Siouxsie Sioux, Public Image Ltd, Cure, Killing Joke, Sisters Of Misericordia.
Il gruppo pop è stato il combo più innovativo del tempo e ha generato le carriere di Rip Rig, Panic e Mark Stewart, precedendo la fusione tra soul, jazz e hip hop.
Negli Stati Uniti la nuova ondata fu sostituita dalla “non onda” di Lydia Lunch, James Chance, i Sonic Youth, i Swans,
Nel frattempo, il punk-rock si è evoluto in “hardcore” e una miriade di band hanno terrorizzato New York (Misfits), Boston (Mission Of Burma, Lemonheads), e soprattutto Washington (Bad Brains, Pussy Galore, Fugazi). La West Coast ha avuto la sua parte di violenza hardcore, ma in qualche modo Los Angeles (Black Flag, X) e San Francisco (Dead Kennedys, Flipper, Camper Van Beethoven) sono riusciti a rimanere più sperimentali. Tanto che Los Angeles vide l’emergere di una generazione di band con radici nella scena “beach-punk” ma il cui suono era molto più complesso (Minutemen, Saccharine Trust, Universal Congress, FIREHOSE), una scuola culminata nell’assolo carriera di Henry Rollins. L’Australia vantava una delle scene più intense, dagli albori di Saints e Radio Birdman fino ai giorni successivi della Lubricated Goat.
Il sud-est è diventato una delle culle di un genere melodico che mescolava folk-rock e pop (B52’s, REM).
L’intera scena nazionale ha beneficiato dell’emergere di registrazioni musicali indipendenti. Los Angeles ha alimentato Paisley Underground e la scena cow-punk: il Dream Syndicate e il Gun Club sono emersi da quel risveglio creativo.
Tutti i tipi di gruppi neo-rock vagavano per New York, in particolare la Band Of Susans. Boston ha dato due degli atti più influenti, Dinosaur Jr and the Pixies, che di fatto ha inventato il rock “grunge”. Seattle ha visto il risveglio di hard-rock e il boom del grunge (Nirvana, Soundgarden, Pearl Jam). Chicago assistette alla nascita del genio malvagio di Steve Albini con il Big Black. Minneapolis è stato il vero catalizzatore: l’Husker Du and the Replacements, e in seguito il Soul Asylum, hanno cambiato l’intera nozione di punk-rock e hanno creato le premesse per un ritorno al formato dei brani rock con un nuovo slancio. Il Kentucky era un altro centro d’azione sorprendente: lo Squirrel Bait diede il via a una dinastia di contorti prevalentemente strumentali punk-rock che avrebbero continuato con Slint e la Tartaruga.
La psichedelia nell’età dei punk generò Butthole Surfers in Texas, i Flaming Lips in Oklahoma, i Phish nel New England e un’intera legione di guru a New York: Mark Kramer, Dogbowl, Jarboe, Lida Husik, Azalia Snail. E Mercury Rev, l’intera band demente abbastanza da competere con le Flaming Lips.
Roots-rock ha vissuto sul lato, spinto dal successo occasionale dei Black Crowes, dall’illustre carriera dei Del-Lords e dalla fenomenale energia delle band meno conosciute come i Fetchin Bones.
La scuola rock australiana si espanse drammaticamente ed è entrata nelle classifiche, preservando il merito artistico con gruppi come la Chiesa.
La maggior parte dell’impulso per ciò che stava accadendo in realtà proveniva dalla piccola e lontana Nuova Zelanda, che aveva nutrito una scena indipendente dai tempi degli Alti Nani, i Puliti e i Brividi, una scuola che avrebbe raggiunto il picco con le opere ambiziose di Peter Jefferies e Roy Montgomery. .
Nel frattempo un altro fenomeno di strada dei ghetti, l’hip hop, ha rivoluzionato la scena musicale e band come Beastie Boys, Run DMC, Public Enemy sono passate al pubblico rock. Produttori come Tackhead sono stati determinanti nel ridefinire il concetto di “composizione”.
La Gran Bretagna seguì un corso diverso, quasi nella direzione opposta, verso una musica più semplice e più commerciale. Tutto è iniziato con i suoni modernisti di Ultravox, Wire e XTC e le loro melodie vagamente robotiche. Quindi Japan and Simple Minds trasformò quel suono in pomposi canzoni pop. E infine Orchestral Manouvres in the Dark e altri hanno creato synth-pop, che in genere era pop suonato su strumenti elettronici e cantato da una cantante femminile o gay (con alcune eccezioni degne di nota).
Depeche Mode e The Pet Shop Boys sono stati probabilmente i più artisticamente di successo tra quelli che hanno scalato le classifiche. Gli irlandesi U2 e gli Smiths si voltarono bruscamente verso la melodia.
L’Australia ha dato agli anni ’80 due delle figure gigantesche della musica rock: Nick Cave, che ha fatto da ponte tra Jim Morrison, Tom Waits e il gothic rock, e Fetus, che ha trasformato la musica industriale nel futuro della musica classica.
Gli anni Novanta
Gli anni ’90 hanno continuato a vedere l’espansione del rock alternativo, sia artisticamente che commercialmente. La tendenza generale dell’era era verso una musica sempre più astratta, la musica che aveva perso la sua etichetta originale di musica dance / party.
Prima di tutto, gli anni ’90 sono stati il ​​decennio dei cantautori che hanno sempre più composizioni intellettuali: compositori come Robin Holcomb, Tori Amos, Lisa Germano e Juliana Hatfield, compositori maschi come Matthew Sweet, Magnetic Field, Smog, Beck. Il Canada ha avuto Jane Siberry e Loreena McKennitt, due dei musicisti più concettuali del loro tempo, fino a quando Alanis Morissette è emersa come leader del movimento folksinger femminile. L’Irlanda aveva due delle voci più singolari, Sinead O’Connor ed Enya, presto raggiunte dal Bjork islandese. In Inghilterra, solo Polly Jean Harvey si è classificata con questi maestri.

“Foxcore” è stata una breve moda sospinta dalle band punk all-girl della West Coast come Hole, Babes In Toyland, L7 e Seven Year Bitch.
La musica industriale ha regalato un drammatico ritorno a Chicago con due degli atti più visibili del decennio: Ministry e Nine Inch Nails, ispirati a band europee più anziane come KMFDM. New York ha seguito l’esempio con Cop Shoot Cop e Type O Negative, San Francisco con Neurosis, Steel Pole Bath Tub, Thinking Fellers Union. Il Texas con una florida scuola industriale / psichedelica, che comprendeva il Pain Teensm Bedhead e l’Organizzazione Vas Deferens.
Il rock gotico proveniva dal Sun Belt (Lycia, Black Tape For A Blue Girl) e non è mai stato così popolare come la variante settentrionale della musica industriale.
I suoni duri regnavano ancora nel periodo successivo al grunge, e New York (Unsane, Helmet, Surgery, Monster Magnet) e Los Angeles (Tool, Stone Temple Pilots, Kyuss, Korn) avevano la loro parte di torta.
Techno era la nuova tendenza nella musica da ballo. Inventato negli anni Ottanta a Detroit dalla triade dei disc jockey Juan Atkins, Kevin Saunderson e Derrick May, la techno attraversò l’Atlantico e si stabilì in Inghilterra e nel continente (Front 242), marciando mano nella mano con la scena del rave. L’America è stata lasciata indietro (Moby e non molto altro).
La Gran Bretagna era il posto per la musica psichedelica. È iniziato con il revival di Liverpool di Echo And The Bunnymen e Julian Cope, poi ha preso velocità con il dream-pop (Cocteau Twins, l’australiano Dead Can Dance, il norvegese Bel Canto e più tardi la formidabile triade di Slowdive, Bark Psychosis e Tindersticks) e con le band scozzesi noise-pop (Jesus And Mary Chain e Primal Scream) e finalmente raggiunto il culmine con gli shoegazer (My Bloody Valentine, Spacemen 3, Loop, Spiritualized, Catherine Wheel), prima di piegarsi in una nuova forma di musica ambient.
Verso la fine del decennio, la Gran Bretagna era inondata dal brit-pop, una trance indotta dai media di un pop super melodico che generò innumerevoli “next big thing”, da Verve a Oasis a Blur to Suede a Radiohead, la band che finalmente dispose di esso. Ma il meglio del genere melodico proveniva da gruppi più umili, guidati da ragazze, come Primitives e Heavenly.
Gli anni ’90 sono stati anche il decennio dell’heavy metal, che ha raggiunto il picco a Los Angeles con Metallica, Jane’s Addiction, Guns And Roses e che presto si è diviso in una miriade di sottogeneri (doom metal, grind-core, death metal, ecc.)
E funk-metal (Red Hot Chili Peppers e Rage Against The Machine a Los Angeles, Primus and Faith No More a San Francisco). Marilyn Manson era il tardo fenomeno che ricaricava il genere.
Il punk-pop è nato a Los Angeles negli anni ottanta, ma in qualche modo ha raggiunto il picco negli anni ’90 (Green Day a San Francisco, Screeching Weasel e Pegboy a Chicago).
Gli anni ’90 sono stati il ​​decennio del rock intellettuale, in cui nessuna canzone poteva essere solo una melodia e un ritmo, ma doveva essere tutta contorta e squilibrata. New York si è rivolta al ritmo e al blues (Jon Spencer Blues Explosion, Soul Coughing, Royal Trux) e la psichedelia (Yo La Tengo), Boston verso la psichedelia (Galaxie 500, Morphine) e il pop (Breeders, Belly), Seattle verso la psichedelia (Sky Cries Mary, Built To Spill), Los Angeles verso la psichedelia (Mazzy Star, Red Temple Spirits, Medicine, Grant Lee Buffalo), San Francisco verso folk e country (American Music Club, Red House Painters), Washington verso il punk-rock (Unrest, Girls Against Boys), Chicago verso la psichedelia punk-rock (Jesus Lizard) (Codeine, Eleventh Dream Day), pop (Green, Smashing Pumpkins) e country (Zio Tupelo). Tutti loro dovevano qualcosa all’umile scuola del Kentucky, guidata da Slint e raggiunta la posizione di Tortoise.
I resti del punk-rock in Texas (Ed Hall), Minneapolis (Cows), Tennessee (oggi è il giorno) continuavano a inviare ondate di shock in tutta la nazione.
San Francisco ha iniziato la moda per lo-fi pop con Pavement, che poi ha generato Sebadoh, Guided By Voices, ecc.
Gli stati del sud-est si fecero forti con suoni sempre più intelligenti (Bitch Magnet, God Idiot God, Don Caballero, Grifters) che raggiunsero il picco nella scuola della Carolina del Nord (Polvo, Seam).
I sintetizzatori analogici sono tornati in scena con Jessamine, Magnog, Labradford.
Ma i nuovi stili continuavano a venire letteralmente da ogni luogo: Rhode Island (Six Finger Satellite), Arizona (Calexico), Ohio (Brainiac), Montana (Silkworm), Michigan (Windy & Carl).
L’Inghilterra continuava a mutare la sua variante della psichedelia, che ora iniziava al confine con l’avanguardia dissonante (Stereolab, Tentacoli Ozric, Carrozzina, Attacco volante, Albero porcospino).
Gli anni ’90 erano l’era della musica elettronica, sia nella danza, sia nell’ambiente o nel rumore. Musicisti elettronici e ensemble si sono diffusi in Belgio (Vidna Obmana), Francia (Air, Deep Forest, Lightwave), Germania (Sven Vath, Mo Boma, Oval, Mouse su Marte, Air Liquide), Canada (Cucciolo magro, Front Line Assembly, Delerium , Vampire Rodents, Trance Mission), Scandinavia, e in particolare il Giappone (Zeni Geva, Boredoms, Merzbow, la triade del rumore). La scena ambientale rivitalizzata della Gran Bretagna ha prodotto Orb, Main, Rapoon, Autechre.
La musica dance britannica ha avuto molto più successo (creativamente parlando) delle sue rock band: Madchester (Stone Roses), rave (Saint Etienne), dance transglobal (Banco De Gaia, Loop Guru, Transglobal Underground, TUU) ambient house (Orbital, Future Sound Di Londra, Aphex Twins, Mu-ziq), artisti della giungla (Goldie, Squarepusher, Propellerheads), trip-hop (Portishead, Tricky) e plain techno (Meat Beat Manifesto, Prodigy, Chemical Brothers) hanno ridefinito i processi compositivi e gli incroci generi innumerevoli.
La musica industriale e il grind core in qualche modo si sono fusi e hanno generato suoni terrificanti negli album di Techno Animal e Godflesh.
The Irish Cranberries e la scozzese Belle And Sebastian sono tra le rivelazioni della fine del decennio.
L’Australia vanta ancora complessi formidabili, e in particolare una delle più importanti band strumentali, Dirty 3.
Il boom dei cantautori degli anni ’90 continuerà per tutto il decennio. Tra i leader di gruppi influenti, molti continueranno a offrire musica seria da soli: Natalie Merchant, Kristin
Hersh, Bob Mold, Frank Black, Paul Westerberg, Mark Eitzel, Scott Weiland, Chris Cornell e, il più grande di tutti, Mark Lanegan.
Freedy Johnston, Vic Chesnutt, Peter Himmelman, My Dad Is Dead, le capre di montagna sono tra le nuove voci del decennio, ciascuna eccentrica a modo suo.
E i ranghi sembravano aumentare verso la fine del secolo: Jeff Buckley, Sparklehorse, Elliott Smith, Richard Buckner, Ben Harper, Joe Henry, Canzoni: Ohia, Damien Jurado, Pedro The Lion, ecc.
Tra le artiste femminili, Jarboe, Azalia Snail e Lida Husik sono state pesantemente influenzate dalla psichedelia.
Cat Power, Beth Hart, Neko Case, Amy Denio, Heather Duby, Edith Frost, Shannon Wright sono tra gli artisti sperimentali che emergeranno alla fine degli anni ’90.
Liz Phair, Sheryl Crow, Fiona Apple, Lili Haydn rappresentano l’aspetto commerciale del movimento, che ha raggiunto il picco con gli innumerevoli successi di Mariah Carey.
Le giovani generazioni, ascoltando queste band, potrebbero pensare che suonino ordinarie, che suonino molto di quello che viene suonato alla radio oggi, ma quello che non realizzano è quanto fossero rivoluzionari. Quando suonavano per un piccolo pubblico in piccoli club seminterrati stavano cambiando il panorama musicale. I tempi li hanno semplicemente raggiunti, a volte più di vent’anni dopo la fine delle band. Ascoltare questi album ora assomiglia a un viaggio di ritorno su un percorso evolutivo. Da questi record, un ascoltatore può scoprire dove le band di oggi hanno appreso il loro mestiere. Nonostante questi ovvi collegamenti con il presente, la maggior parte dei gruppi discussi qui sono assenti dalle discussioni in corso sulla musica popolare e dalla maggior parte delle raccolte di biblioteche. Speriamo che Internet e il suo facile accesso ci portino ad un passo avanti verso l’inclusione, per questi artisti il cui valore è stato dimostrato dalle generazioni di musicisti che hanno ispirato.

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